cronicas newmonday

Kitty, Daisy & Lewis son tres hermanos post adolescente(15,17 y 18 años) totalmente enganchados al fondo y la forma de hacer rock&roll de los cincuenta. Su primer disco recoge dos originales y ocho versiones alzadas a lo máximo en la lectura rockabilly y blues que han hecho de ellas. Lo suyo es verdadero amor y pasión por aquellos días en los que grabar una canción era un trabajo de pura artesanía. Ellos no podían traicionar a esa esencia, de ahí que el disco lo hayan grabado con aparatos de grabación originales de aquellos días, detalle valioso y muy significativo, estamos ante unos hermanos muy auténticos. La media hora de música es el reflejo de todo el empeño y cuidado puesto por ellos en su trabajo, una exquisitez exclusiva en estos tiempos. No hay duda, el disco engancha tanto a los conocedores del género como a primerizos. Resulta imposible dejar de escuchar este álbum que ensalza los buenos principios de la música: verdadera, incorruptible y atemporal. Kitty, Daisy & Lewis nos invitan a disfrutar de su homenaje a un tiempo del que muchos deberían aprender y de paso nos dan una lección de historia.

Elliot Brood ya dejo unas cuantas cosas claras en su álbum Ambassador (Six Shooter, 2005). Aquel disco te dejaba (y aun lo hace) paralizado. Alentaba a creer en la raza humana. Si existen discos de esta clase, aun debe quedar un buen puñado de buenos corazones.
Así que ahora se nos presenta la segunda entrega de estos tipos, Mountain Meadows (Six Shooter, 2008). Otra ración de vamos a gritar a las estrellas. Su nuevo largo te atrapa, no se trata solo de escucharlo, es mas del tipo necesito ponerlo una vez más.
Pero Elliot Brood saben como elevar a sus oyentes. Acércate a uno de sus conciertos y considérate afortunado.
Esa fue la sensación que alcanzamos los que estuvimos presente en su directo en la sala Moby Dick Lo que son capaces de hacer en un escenario es historia, pura energía. Con la elegancia que otorga la sencillez de las cosas bien tejidas, sin adornos ni travestismos. Puro clasicismo.
Los golpes de la instrumental, Chuckwagon funcionaron como una descarga, era el prologo anunciador de una agitada velada. Garden River o Finguer and Tongues, sirvieron para dejar claro la monumentalidad de esta banda a la hora de tratar el tiempo de sus piezas. Con una voz en el filo del desquebrajo, nadando entre el Tom Waits mas vagabundo y un Lenny siempre dispuesto a darse de puñetazos.
Aquel trío sonaba solo, era tan fácil escucharles que piezas como Woodward Avenue podían agradecerse como si de un regalo se tratase. Aunque para detalle The Valley Town. La vida mola y que Coldplay tome nota.
Cerraron con Write It All Down For You, un misil imparable que nos dejo con los dientes largos. Fue una noche de leyenda, esa que Elliot Brood andan forjando y que será bonito poder contar.

Hace poco escuche un comentario en un programa de radio sobre Amy Winehause que reconozco me encendió. El periodista dijo algo parecido a que la tía era lo más importante que había ocurrido en la música en la última década. Encumbrándola como la nueva diva del soul. Vaya con los cojones del tipo, pensé.
Un par de meses después leí una de crítica de Kiko Amat sobre dos reediciones de Aretha Franklin-“Arheta Arrives” (1967) y “Let Me in Your Life”(1974)-. En ella Amat dio una lección reducida (por el tamaño del texto), pero magistral de lo que debe ser entendido como soul. Por fin alguien sensato deja las cosas claras.
Si bien Amy Winehause a causa de su vida azarosa y difícil reúne suficientes cualidades para forjar leyenda. Esta lejos de ser una diva de soul, ni nada demasiado importante. Tiene alguna buena canción, un soberbio homenaje a los Specials (ahora en formato 7”) y buen gusto en sus referentes musicales. Pero que sea canalla, atormentada y mujer tradicional en lo que el amor se refiere, no la convierte en una dama del soul.
No hay que confundir al personal, el soul es otra cosa. Se toca con el corazón, se sufre y duele tanto que a veces solo se puede bailar.
Si pensamos que el genero renace gracias a los disco de Amy Winehause o Duffy andamos jodidos. Pocos estilos se han mantenido tan intactos y limpios como el soul. Que artistas tan impecables, tan respetuosos, tan elegantes. La historia de la música negra es preciosa y reveladora. La debemos mucho, yo diría que todo. Desde el comienzo del rock y su posterior desarrollo, hasta el tecno primitivo de Detroit o el primer House.
Oir a Duffy o Amy Winehause puede estar bien, no hay problema. El peligro aparece cuando nos olvidamos de lo que realmente estamos escuchando y los medios que conocemos como profesionales lanzan con descaro información liviana, sin nada de rigor.
En la actualidad existen artistas que se rompen el culo haciendo soul y funk del bueno que no tienen ni un minuto en ninguna radio o televisión. Gente que si encarna el verdadero espíritu, manteniendo el respeto que se necesita para crear soul.
A los tipos de la radio nunca les he oído decir nada de los Diplomats of solid sound , ni de Baby Charles, ni del último disco de Sharon Jones. Tampoco nada de Carlo Coupe, ni Glen Anthony Henry, ni de los Sweet Vandals. Donde está Eli "Paperboy" Reed, el si es un señor de verdad.
Supongo que es mas fácil convertir en un referente a alguien que vende millones de discos llevando los brazos bien tapados con tatuajes y una vida complicada, o por su cara de no haber roto un plato en la vida. Ellas no tiene la culpa, solo son parte del juego. Por eso no serán nunca soul. Esta música no es carnaza, no es tendencia. De ahí su grandeza.
Como escribe Kiko Amat vivimos tiempos de Amy Winehause. Ya veremos cuanto duran.
En la foto Betty lavette. Una dama de los pies a la cabeza.

A Paul Weller le tengo cariño. Mi primer contacto con su música fue a través del álbum “Live wood”, disco que recogía su gira por Inglaterra presentado su celebrado Will Wood.
El disco lo trajo mi hermano de Londres, el se había quedado colgado con un directo que dio el la ya desaparecida Aqualung. Si no me equivoco la primera vez que Weller visitaba Madrid.
Con el tiempo para mi hermano perdió cierto énfasis en sus trabajos, mientra yo me convertí en un fan incondicional. El me cae bien, poca gente sabe pisar un escenario como el, muy soul. Sus canciones son verdaderas lecciones de estilo de matices perfectos que se viste con selecta elegancia.
Un tipo con clase, el mod al que todos quieren parecerse. Un guapete como dice Lola
El pasado 18 de octubre estuvo en Madrid. Su segundo concierto en esta sala. El primero, después de su paso por el fib, no estuvo tan bullicioso de gentío, aunque el volvió a dar una lección.
En esta ocasión la Riviera rebosaba de público dispuesto a disfrutar de las canciones de “22 dreams”, lo último de Weller. Pero también de su amplio repertorio y porque no de algún recuerdo a los Jam.
El y su banda no defraudaron, a dosis de calma le acontecían otras de refrescante tormenta. De la guitarra al piano con premura, sin pausa. Alargando buena parte de sus temas para alzarlos al adjetivos de soberbios. Sin perder su percha, su carisma y siempre fumando.
Regalo dos bises, el último para tocar That’s Entertainment(la segunda de los Jam que se hacia), con la gente enloquecida. Buenos tiempos aquellos, debieron de recordar unos cuantos.
Al final la banda unida, reverencia al público y Weller llevándose el puño al corazón en señal de afecto. Esta claro, pocos saben tanto a los 50. Ni los chavales se saben mover como el. Muy soul.

El primer disco en solitario de Lidia Damunt,”En la Isla de las Bufandas”. Se presenta como el álbum más vertiginoso y creíble de lo que va de año. La guitarrista y voz de Hello Cuca, ha sido capaz de crear mundo propio con sus canciones rebosantes de ingredientes atemporales y genuinos. Letras vivas que andan solas, cercanas a los grandes relatos de Jack Kerouak. Música verdadera, cruel, marcada y fantasmal. Su voz es errante, de las que caminan sin equipaje y te cuentan historias de pueblos abandonados y trenes de mercancías.
Es un lujo que narre en castellano, que el desgarro de su voz resulte tan cercano, tan de verdad.
Estamos ante una artista feroz, verosímil de las que dejan huella y crean leyenda. Yo me voy a la Isla de las bufanadas.

Resulta complicado encontrar artistas puros, capaces de romperse dejándose la piel y la sangre en su compromiso. Suelen ser personas de gesto solemne, tipos duros y románticos. A ellos un segundo les dura mas que un segundo. El tiempo les espera y el silencio les escucha. Doy nombres: Clint Eastwood., Marlon brando- en La jauría Humana-, Alberto Garcia-Alix o Micah P Hinson. Un hombre joven, nacido de la tierra y del polvo, con el rostro curtido por el sol.
Micah P Hinson piso el escenario de la sala Heineken de Madrid y un par de movimientos suyos fueron suficientes para reconocer al artista puro, al ultimo caballero.
Bajo un silencio respetable y acogedor comenzaron a sonar sus canciones. Al principio el y su guitarra. Dos golpes certeros, aplausos, cigarro (con boquilla) y aparece uno de los integrantes de su banda. Ahora hay una guitarra, un ukelele y su voz. Toda la parte de atrás de Norteamérica encima de un escenario.
Algunas canciones mas y te das cuenta que el tiempo no avanza como debiera y entiendes al silencio, se puede escuchar. Y Micah P Hinson lo convierte en música, en instrumento. Son tres en el escenario, estructura de banda punk. Guitarra eléctrica, bajo y batería. La voz se rompe, comienza a quebrarse se palpa la sangre en cada nota. Es el esfuerzo, el no saber hacer las cosas de otra forma sino mas que sintiéndolas, abrazar el instante para después estirarlo. Veis como si hay otro mundo posible.
Micah P Hinson sigue retorciéndose mientras el publico saborea las pausas, los susurros, algún coro lejos del micro que para el mundo.
Es gustoso sentir que las cosas pueden ser sencillas como el goce de un músico y su guitarra. Fue un placer su visita señor Hinson. Sin duda, es usted un caballero de los que ya no quedan.

Teníamos ganas de ver y oír a Editors. Es una afirmación sincera. Poseen buenas canciones y además, buenas intenciones. Se presentaron ante una Riviera repleta por un publico pots-adolescente, dispuesto a sudar la camiseta hasta el final. Buen público sin duda, pues no serán ellos los que enjuicien, ni etiqueten a su banda. Yo tampoco y estoy seguro que Dudu esta conmigo.
La realidad es obvia. Editors tienen hasta el momento dos discos en la calle “The black room” y “An end has a start”. Mas un mini cd “All Spekers”, publicado entre medias de sus largos. Pues bien el resultado es un sonido coherente, serio y consistente. Nos pueden recodar y tenderemos a compararlos con aquellas bandas que ya sabemos todos. Pero y que. Hay que superar arrogancias, conseguir dejar a los referentes justamente como lo que son, referentes.
Resulta tan empalagosos los grupos fotocopia como las criticas que se escriben sobre ellos. Además debemos apuntar que Editors no es un grupo fotocopia. Puede que tenga un sonido vinculado a, nada novedoso, pero mas profundo que grupos como Franz Ferdinand o Coldplay. Prefiero que una banda suene a Joy División que a U2 y siempre me quedare con Orange Juice. Claro que esto es solo una opinión.
Creo que se puede disfrutar de los disco de Editors. Yo lo hago y conozco a unos cuantos que también. Si no te convence demasiado los compactos, deja que te lo aclaren en directo. Ahí si que son incontestables. Su sonido esta depurado, aprendido, educado para que llegue a los oídos del público lo mas claro y rompedor posible. Debe de calar, tiene que calar. Para ello cuenta con una voz profunda, bonita. Justo en la frontera del empacho y ahí reside el encanto, en aguantar de puntillas en el filo del abismo de las voces fotocopia que suelen tener los grupos fotocopia.
Editors mantiene a la gente atenta, alerta esperando que llegue otro momento único, sencillo pero valioso, - Sonic Youth son especialista en alcanzar esos momentos, consiguen que la gente suelte buenas dosis de dopamina en su conciertos solo por que saben dar esos instantes que lo cambian todo en una canción-.
Todo esto lo vimos en La Riviera. “Saben tocar”, “que buenas las luces” decia Dudu , “la verdad es que se lo hacen bien”, comentaba mi hermano. Cierto todo, por que Editors se saben la lección, de momento han hecho un buen trabajo. Tienen show, lo defienden y convencen hasta a los más escépticos y arrogantes. Incluso brindan homenaje a sus bandas amadas. Hay quedo su versión de Spiderman. Un clásico de un grupo que resiste a pesar de su evidente coma como son The Cure.
A Editors le quedo tiempo para subir al público, ofrecerles el último refuerzo de la noche, consiguiendo que algunos se fueran flotando, mojados por la mezcla de sudor y tal vez lagrimas.
Otros nos marchamos con los pies en la tierra, pensando que estuvieron mas que bien y con la certeza de que son mejores que Coldplay y Franz ferdinand. Y esto es una afirmación sincera.

La primera vez que vi tocar a Nada Surf fue en el festival de Benicassim, el verano del 2002. Me gustaron mucho, consiguieron subirme el animo, fue divertido, un buen refresco.
Me acerque a ellos con su primer disco. Lo siguiente que me compre fue su “Let’s go”, el trabajo que presentaron en aquel fib del 2002. Cuando llegue a Madrid conseguí comprarme “The Proximity effect” y me encariñe mas de ellos, después llego “The weight is a gift”. Siempre me han resultado cercanos, mas próximos que muchos grupos españoles. Siendo de Nueva York suenan a Madrid, a una noche de copas con buenos amigos.
Han tenido que pasar seis años para poder volver a verlos. Esta vez en la capital, con disco nuevo y dando el pistoletazo de salida a su gira europea.
“Lucky” es el titulo de su último trabajo. Album que en España no tiene distribución y solo se puede adquirir con la entrada de sus conciertos. Nada Surf ha eliminado filtros en un gesto honesto donde no hay ni rastro de jugada mercantilista. Como bien apunto Daniel Lorca en un momento del concierto “Hemos vendido mas discos en una noche que en todo un año”. La mentalidad de Nada Surf siempre ha sido la de ser un buen amigo de su público. Demostración de cordura y dignidad en tiempos de cojera discográfica y actitud musical.
Su concierto fue un acierto desde el principio. Eligieron a Jusnton como teloneros, grata sorpresa. Menudo disco el de estos chicos, con un directo perfecto que logro captar la atención de unos oyentes aun friós y algo tímidos.
El trío, mas teclado, salto pasadas las 21:30. Lorca con cigarro en boca, Caws en camiseta de rayas, hablando en un correcto español y Elliot escondido tras su batería. Su directo no regalo concesiones, nada de rebajas sonoras. Hay calmas pero no hastió. Puro “sock eléctrico” como dijo Caws. la noche fue impecable, tocaron toda su artillería, “Happy kid”, “Blizzard of 77”, “80 Windows”, “Always Love”, “Fruit love” en la que Daniel Lorca traducía lo que cantaba Caws, hasta el momento explosivo de la canción con un público rendido a la diversión y positivismo de Nada Surf. Se escucharon canciones de Lucky -“Beatiful beat” es un hit en estado puro-, pero menos de las que cabía esperar. Nuevo gesto de cabarellosidad del trío hacia su público, pues el disco acababa de caer en las manos de los presentes.
Nada Surf son especialistas en regalar emociones a su fans y a muchos no se les va olvidar el momento en que entonaron “Blanks Years” pidiendo la colaboración del asistentes para bailar y cantar en el escenario. Así que todos arriba a gritar con Lorca , Caws y Elliot. Menudo regalo de San Valentín.
Los que decidimos quedarnos abajo recibimos otro presente con “Stalemate”, donde entremedias se coló “Love tear Us Apart” de Joy División. No me quedo mas remedio que alzar el puño.
De regreso a mi casa pensaba que siempre preferí a Nada Sur que a Nirvana. Son americanos sin querer parecer ingleses. Me resultan familiares, sencillos, accesibles y hartos agradecidos. Nada Surf siempre han estado ahí. Como Rosendo y Los Planetas, como mi vieja tabla de patinar, como mis amigos del barrio.
Hay bandas que te alegran la vida, Nada Surf además sabe como ponerla a saltar.

La tercera edición de Low Onstage se concibió en plena vorágine navideña. La música en directo sirvió para despedir un agonizante 2007 y saludar a un principiante 2008.
Ya son tres las citas en la Heineken de Madrid, que la gente de Low ha programado con éxito y es que la formula resulta atractiva y atrayente. Tres grupos en directo, cercanos al publico y dando lo mejor de si. Un buen surtido de dejotas, amenizando los intervalos entre concierto y concierto y cerrando las veladas. Y unos precios, que si somos capaces de mostrarnos previsores adquiriéndolas anticipadas nos saldrán por unos 12 euros. El resultado de todo esto se puede medir en la aceptación del público que parece encantado con planes de este tipo y caminan a mostrarse como fieles a cada una de las nuevas citas de Low Onstage.
En esta ocasión los primeros en subirse al escenario fueron Layabouts. Su primer disco ha contado con la producción de Paco Loco y esta editado el sello madrileño wild thing.
Parecen tener las cosas claras estos chicos de Madrid, su música se extiende placida en la distorsión, con riffs salvajes y acompañamiento de sintes muy de moda en los últimos tiempos para darle un toque club a las canciones. No se permitieron ni un respiro, atacaron desde el principio mostrando cuales son sus mejores cartas. Apabullantes ritmos, peligrosa calma y otra vez explosión sonica. Esta fue la tónica central de su concierto, el público bailo, chilló y aplaudió aquellos chicos que dieron justo lo que les pedían buenas canciones, actitud y pose. Dejaron el ambiente ardiendo y eso que la cosa no había hecho más que empezar.
Layabouts están al principio del camino y por eso nos pueden recordar al sonido de unos cuantos grupos. Tal vez sea un auto reflejo o simple admiración. El tiempo nos dirá si aquel primer disco fue el inicio de algo grande o un buen compacto con alguna canción que recordar. El presente de momento habla de unos chicos que defienden sin amagos sus canciones y se lo hacen muy bien encima de un escenario.
Mientras Homeboy lanzaba un buen surtido de hits el escenario comenzaba a mutarse para recibir a los zaragozanos Tachenko. Que traían bajo el brazo y la pierna escayolada de Sebas Puente algunas canciones de su último disco “esta vida pide otra” que estará en la calle a principios de febrero y ha sido editado por Limbo Starr.
Si la música de Layabouts aprovecha cada instante como si fuera el último, con Tachenko siempre habrá un próximo segundo mas apetecible que el anterior. Su concierto fue un placer, una verdadera degustación. Por que las canciones de Tachenko hay que disfrutarlas como el buen vino. Se huelen y se sienten y deben reposar durante un momento para mas tarde dejar que vallan sacudiendo despacito la cabeza y el corazón. Un soplo después estarás esbozando una sonrisa y bailando sus canciones.
Los nuevos temas fueron bien recibidos por el público, sobre todo “hacia el huracán” canción que parece ser una de las grandes de su nuevo álbum.
Tachenko no obvio su mas reciente disco “Las jugadas imposibles” y realizo un pequeño viaje por algunas de las canciones de el “Tiempo en los urales” y “Nieves y rescates”. Los zaragozanos ofrecieron un concierto redondo, agradable y de exquisita sencillez. El paso del tiempo es un placer cuando es Tachenko quien lo domina con sus canciones.
La noche aun guardaba los golpes directos de La habitación roja. Pocas cosas resultan tan seguras en la música de nuestro país como los directos de La habitación roja. Siempre es recomendable un concierto suyo. Ni siquiera es necesario saber de su música, ellos forman parte de esa liga de bandas que crean afición a través de sus directos y a la primera escucha. Tal vez, junto con Lisabo, son la banda que mejor exhibe sus atributos encima de un escenario. Gracias a grupos como ellos se puede justificar y defender la importancia de la música en directo, del tu a tu entre publico y artista.
No se cuantas canciones tocaron, ni el tiempo que estuvieron tocando. Solo recordamos la velocidad, la intensidad, la explosión de cada una de las canciones que mostraron a un público totalmente a su merced. El placer del último instante, de un segundo mas de vida. Es lo que produce la inmensidad musical de La habitación roja. Que al igual de sus colegas de Tachenko, traían cosas que ofrecer. Su nuevo mini lp “Posidonia”- 50% Steve Albini, 50% maquetas de su ultimo álbum- siete canciones de puro sonido habitacionroja. Un ejemplo más de carácter, de belleza que pide a gritos que la miren y que la escuchen.
Era el turno de Amable, con el siempre es un placer aspirar las ultimas horas de la noche. Siempre te recuerda alguna canción que crees olvidada, algún grupo que merece la pena volver a escuchar. Yo llevo una semana recordando los discos Australian blonde.

L-Kan tienen atributos de sobra para ser un grupo llamativo. Las canciones de sus discos son la muestra evidente de ello, más sus directos, más un publico fiel y otro no-público que no les entiende ni a ellos, ni a gran parte de las orejas que le escuchan.
Estamos ante una banda despierta, que habla a y de un publico que si no esta despierto al menos ellos así lo creen.
L-kan son mas punk que muchos grupos punk, son mas indie que muchos bandas indie, son fanzine, son Zara y el bar de mi barrio. Son teatro, son payasos, son niños.
En la Casa encendida,el 24 de noviembre, a las doce del medio día, con un público mayoritariamente infantil arropados por sus papas, aparecieron los chicos de L-kan. El concierto fue una fiesta donde niños y mayores disfrutaron del mismo modo gracias a un clima que se acercaba mas a teatro para niños que a un concierto para adultos.
Aunque las nuevas canciones ocuparon buena parte de la velada, L-kan no obvio sus temas de mas empuje y solera. Grandes sonrisas y palmas despertaron canciones como “Voy hacer todo por placer”, “Bailan” o “Moderm talkin”.
El momento de los mas pequeños llego con “Aburrida de estar salida”, donde L-kan tuvo como colaboradores una improvisadas sección de cuerda formada por niños. Hubo en la canción momentos de autocensura, que fueron sublimes, divertidos y generosos.
“Regulin ragulan” no solo sonó, si no además fue expresada en lenguaje de signos. Ese fue su broche final a una mañana donde L-kan volvió a demostrar que son mas de lo que uno puede llegar a imaginarse.
A la salida del concierto le pregunte a un niño: “¿ Te han Gustado?” y el me respondió “si, mucho”. Nada mas que decir.

Cooper volvió a Madrid el 23 de Noviembre. Como dicen ellos, siempre tienen una buena excusa para tocar en la capital. Su concierto tenia como objetivo presentar las canciones de su ultimo Ep “ Guárdame un secreto”, pero la velada escondía mucho mas.
Los cuatro de León comenzaron sin concesiones enlazando tres temas consecutivos, sin respiro alguno y sin mediar palabra con el público, todo un non-stop Cooper. Cuando dejo de sonar la psicodélica de “Silverstone”, un Alejandro Diez enfundado en gafas de sol de pasta blanca, saludo a los que allí se habían dado cita y se lanzo a presentar “Guárdame un secreto”.
A esta alturas de partido es evidente la pulcritud de los directos de Cooper, en los que todo parece estar calculado. Uno atiende a su música como lo haría ante la maquinaria de un reloj suizo. Así sonaron “Steph”, “Canción de Viernes” o “un Dia de furia” donde el ruido y la violencia quedaron vigiladas, convirtiéndose en un placer para los sentidos. La compleja facilidad con la que las melodías de Cooper se apoderan del que lo escucha tiene un germen, un porque. La banda que lidera Alejandro Diez es justo el tic tac de ese reloj suizo que a todos nos gusta escuchar. La complicidad, el equilibrio, el entendimiento son patentes y perceptibles entre los miembros de la banda. No había mas que mirar a Nacho García -batería con el que Cooper ha grabado “Guárdame un secreto”- para adivinar que ahí arriba todo parece estar bien engrasado. La cita aun guardaba grandes momentos como “747”, “ Rabia”, el optimismo brutal de “Cerca del sol”, donde la definición de pop quedo constatada en forma de canción. Hasta 21 canciones contabilizamos aquella noche, todas ejecutadas en emocionante exactitud.
Cooper es el directo ganador que buscan los boxeadores, es la canción que quieren pinchar los dejotas con las luces encendidas, es el vino que todos ansían reposar en su paladar, Cooper es el ruido que anhela hacer el silencio. El mejor vértigo que podemos desear.

Hay bandas que te enganchan a la primera, un riff, un grito, el estribillo perfecto y ya estas pillado. Cooper es un de esas bandas. En sus canciones esta lo inmenso del pop, lo indefinible, aquello que no necesita palabras. Solo escucharlo una y otra vez. Detrás de Cooper se encuentra Alejandro Diez, uno de los artistas mas coherentes y auténticos de nuestro país. Un tipo apasionante del que solo se puede aprender. El viernes 23 tocara en Madrid y el sábado 24 hará lo propio en Toledo para acercarnos, entre otros tesoros, las canciones de su último Ep “Guárdame un secreto”.
Cuando Cooper emociono al Pop

1. “Guardame un secreto” es tu nuevo Ep. Aun estábamos saboreando “ Dias de cine” y nos regalas otro puñado de buenas canciones. De alguna manera uno tiende a crear lazos de unión entre los dos discos. A mi me gusta escucharlos seguidos, como si fueran capítulos de un mismo libro. En realidad tus discos pueden entenderse así, como capítulos de un libro que de momento no esta terminado. ¿ Cómo lo ves tu?.

Es bonito el planteamiento que haces. A veces tengo la tentación de jugar con algo así, de hacer varias canciones con un mismo personaje… luego me doy cuenta de que ya lo he hecho a menudo… conmigo mismo!! los dos ep’s están muy cercanos en el tiempo, por eso tienen relación en los temas, y también en el ambiente.

2. Siempre has cuidado los diseños de tus discos, me vienen a la cabeza portadas como Cierra los ojos, Oxidado o 747. Tus dos últimos Ep’s tienen un marcado sabor cinéfilo. Con Catherine Deneve de protagonista. Entiendo que no te cierras a ningún lenguaje comunicativo, que tus portadas son otra manera de expresar que significa Cooper. Una vía mas de acercarte al público y despertarle los sentidos.

Tengo un gusto estético muy marcado, y me gustan las cosas bonitas. no me gusta perder la oportunidad de aprovechar el espacio de una portada o un interior. De los discos que comentas el que más me gusta cómo quedó a nivel estético es “oxidado”, pero casi todos me convencen. y tienes razón, sin ser un especialista en nada me interesa bastante la cultura: quiero decir que leo libros, me gustan los cuadros y los edificios, voy al cine o veo pelis en casa, me compro discos… y todo eso me temo que lo hago desde una perspectiva pop: en casa hay copias de Rauschenberg, Robert Indiana, fotos de Robert Freeeman y posters de Lambrettas. Han entrado discos de Ben kweller, Mayflies Usa y Brendan Benson, singles antiguos de la Deram e Inmediate, viejos Melody Maker y Salut les copains, libros de relatos cinéfilos de Cortázar y Woody Allen… mil cosas que conforman mi mundo.

3. A día de hoy sigues con tu política de editar en formato single. Personalmente me parece una opción muy loable y que esta llena de encantos. ¿ Que ventajas te aporta trabajar de esta manera?.

Inmediatez, tranquilidad a la hora de grabar, la posibilidad de jugar con Catherine Deneuve, no sé… me gusta el “artefacto”.

4. Las 4+1, del disco son fantásticas. Pero yo tengo a “Flea market” un cariño especial por la colaboración de Carlo Coupe. La oí por primera vez en la radio y al escuchar el órgano pensé: “ ¡Ese es Carlo Coupe. Vaya par de socios se han juntado!” ¿ Cómo surgió la idea de colaborar juntos? ¿ Has escuchado su nueva banda The Sweet Vandals?

Sí, Carlo Coupé es un crack. Su estilo al Hammond me encanta, y tiene un gusto muy fino. Estoy encantado de que haya colaborado con nosotros. los Sweet Vandals me gustan mucho, y la idea de trabajar juntos siempre había estado en el ambiente, es un lujo que Carlo se aproximara de buen grado a nuestro estilo, porque es un auténtico purista en lo suyo, algo que yo respeto mogollón.

5. Repasando la discográfica de Cooper observo que casi no hay respiros. Desde la publicación de “Fonorama” en el 2000 hasta hoy, todos los años han aparecido trabajos tuyos. Eres de los artista mas productivos de este país y siempre a una nivel compositivo indiscutible. ¿Te consideras un artistas metódico, de orden, de los que opinan que las cosas bien hechas bien parecen?. ¿ Como estructuras el proceso creativo desde que te surge la idea de una canción hasta que la plasmas en el disco?.

Bueno, sí que ha habido parones, recuerdo el año en blanco que tuvimos cuando Ginés dejó la batería de Cooper; menos mal que apareció Antonio. ¿Sabes? en una ciudad como León es difícil encontrar los músicos adecuados para este proyecto. Yo soy muy metódico en el trabajo y bastante cuadriculado. Y seguramente el “tempo” de mi trayectoria en el mundillo del pop viene provocado en parte por esto, y en parte porque nunca he conseguido el éxito masivo y por lo tanto tenía una razón para seguir trabajando. Sí, soy muy responsable, lo cual no es muy valorado en esta historia, jaja!! al público le gusta el artista atormentado, el tío desastre que de repente tiene un ramalazo de genialidad. a la gente le gusta John lennon, Brian jones y Pete Townshend, a mí también pero prefiero a Paul Mccartney, Mick Jagger y Roger Daltrey.

6. Los flechazos fueron toda una referencia mod en España. Con Cooper ha sucedido algo parecido, aunque te mueves en campos musicales mas abiertos. Aun así te han llegado a comparar con Paul Weller. No se si te sientes cómodo cuando se refieren a ti como el icono mod nacional o cuando la prensa tiende a compararte con otros artistas, obviando el carácter propio de Cooper.

No me importa mucho, tengo que reconocer que no siento mucha estima por la prensa musical (lo siento!!). Yo cuando leo un artículo sobre un grupo busco que el crítico hable apasionadamente de ese artista, al cual conoce más que yo, y me ayude a comprender el significado de su obra, me ayude a profundizar en ello y a disfrutar, me haga de guía. Hay tanta música por ahí apasionante que no entiendo por qué dedican su esfuerzo a destrozar cosas que no les gustan, por muy novedad que sean. Supongo que lo mío es el espíritu fanzinero primigenio (porque en dos años los ‘zines acabaron siendo una copia de las revistas: había que rellenar el número para marzo y se hablaba por hablar). Yo creo que es cuestión de pasión.
Y en lo tocante a Paul Weller y yo pues lo entiendo, él está a años luz como artista de mí, y en cuanto a popularidad, reconocimiento y éxito ya ni te cuento, resulta pretencioso solamente planteárselo. hay analogías evidentes (ser mod, la ropa, el pelo, carrera solista después del grupo…) pero creo que en lo musical hay tantas diferencias… Si alguien , como el de placebo, me dice: “tú eres de esos grupos que de pequeños han querido parecerse a los Beatles”… pues sí. pero si me dicen: “tu has querido parecerte a Paul Weller”, pues no. Mis grupos favoritos de revival eran Squire y los Times, mucho más pop que cualquier cosa que Weller hiciera, aunque me encantaban los Jam. No me gustó nada el Style Council y no me gusta el funk, pero me flipa su carrera en solitario. No me imagino ninguna de mis canciones en su repertorio, y si me las imagino tocadas por You am i, Myracle brah, Shazam o Teenage fanclub. Paul Weller es un tío grande, pero yo soy yo.

7. En tus conciertos siempre esbozas sonrisas, transmites diversión. ¿Tocar en directo es lo que más te apasiona de tu trabajo?

Sí, si estoy a gusto con el sonido y la banda es lo mejor que hay… a veces me puede la responsabilidad y no me deja disfrutar (Benicassim, hay tanta gente que no se puede fallar. O los conciertos de radio3, todavía haciendo la digestión y con los nervios del directo, es como si te sacaran una muela!!). Pero en el escenario me muevo a gusto y si tengo la garganta al 100% cantar es lo que más me gusta.

8. Alejandro Diez es Cooper, pero Cooper funciona como un banda. ¿Es difícil que veamos alguna vez a Alejandro Diez sentado en una silla acompañado solo de su guitarra?.

Mario y yo hemos hecho bastantes acústicos, también me gusta ese formato. pero Cooper nació para hacer ruido, “meter bulla”. Aun así, una de mis canciones favoritas de Cooper es “canción de cuna nº2” que es totalmente acústica.

9. Pablo Gil en su libro “El pop después del fin del pop”. Lanzaba preguntas a varios artistas influyentes de los últimos 15 años como Beck, Jarvis Cocker, Pj Harvey o Steve Albini. Una de las cuestiones que exponía y que yo te traslado es; ¿ Cual es tu definición de música popular?.

La que ha trascendido estilos, países y modas y permanece como referencia generacional. A veces es de calidad y a veces no. Música popular es la jota que se bailaba en la montaña leonesa en los años 40, tocada por una dulzaina, y eran las grecas o los diablos que sonaban a todo trapo cuando yo era pequeño. Se puede decir incluso que la música popular es la música de la inocencia, del desconocimiento: yo de pequeño oía a los Beatles, a Suzy Quatro, a Camilo Sesto, a Status Quo y a Pedro Marín, y si me gustaba la canción me gustaba… y si no, pues no. Decía el de Supergrass que él quería hacer música para los que escuchan de esa manera. Yo también, con la diferencia de que para que te escuchen de esa manera tienes que cruzarte en su camino, porque ellos no te van a buscar.

10. Durante varios años fuiste uno de los organizadores del festival mod Purple Weekend. Uno de los festivales más auténticos del panorama nacional. ¿Cómo recuerdas aquellos Purple Weekend?. Esta edición asistes en calidad de dj. ¿Con qué sorpresas vamos a encontrarnos en tu set?

Genial, una experiencia brutal en lo profesional y en lo personal: conocí a Georgie Fame, saludé a Eddie Phillips de los Creation, cené con Zoot Money, le pasé nuestra versión de “good thing” a Paul Revere, canté con Gabi y los salvajes y me dejé la garganta en cada edición. ahora sigue siendo genial, pero yo ya no soy parte de ello. Pincharé música beat, sonidos “megamods” para la pista de baile.

Micah P Hinson dijo una vez en una entrevista que la única manera para diferenciar la música en nuestros días, es hablar de revivalistas y de revisionistas. Dentro del primer grupo el artista tejano incluía a The Strokes, como banda que reproduce el sonido de otras épocas y grupos. Al otro lado, en los revisionistas, se encuentran tipos como el propio Micah P Hinson o los ingleses Lucky soul. Es cierto que su música es diferente, los tempos, las influencias, la personalidad.... ..son elementos que los distinguen. Pero ambos coinciden en su capacidad para hacerse con aquellos sonidos auténticos y primarios y concebirlos como suyos, mas allá de modas estéticas o musicales.
Lucky Soul es un grupo de esencia soul, de raza soul. Su música sale de dentro, del espirito. Como dice Kiko Amat el soul solo puede ser honesto y este sexteto lo es sin duda. Su primer álbum The great unwanted editado en Elafant, es la mejor justificación de su carácter revisionista, además de ser un fantástico disco de pop. Lucky Soul son algo mas que soul, y es justamente eso lo que les hace grandes y diferentes a otros grupos.
El 26 de octubre se subieron al escenario de la Sol en Madrid para ofrecer a los que allí estábamos las canciones de su The great unwanted . Bien vestidos ellos e impresionante ella, comenzó su show que desde la primera canción a la ultima no bajo en intensidad, energía, diversión y calidad. El juego de voces entre la cantante Ali Howard y Andrew Laidlaw ,el pez gordo de la banda, en canciones como Ain’t Never Been Cool o Add Your Light to Mine, Baby consiguió elevar aun mas la calidad de los temas que en el disco ya habla por si solos.
La voz de Ali Howard merece una algunas palabras de atención. Pocas veces se puede disfrutar de algo semejante. Su voz es rica en matices y registros que no dejan de sorprender, consiguiendo embellecer aun mas sus canciones. Sirva como ejemplo la manera en que sonó Lips are Unhappy y Baby I’m Broke, donde la voz de Ali Howard, limpia y clara se salía literalmente de la Sol.
El resto de la banda trabajo a la perfección, se divierten y viven lo que crean en el instante, segundo a segundo. En varios momentos, con su sonido, Lucky soul trajeron a la Sol lo mejor de bandas clásicas como The Marvelettes o The Temptation.
Los momentos apoteósicos y de delirio colectivo llegaron con Lips are Unhappy donde la gente ya no sabia si la que cantaba era una chica o un ángel y con la traca final de Get Outta Town!, uno de los temas mas vitalista y autentico del disco. Después llego el momento de las ovaciones, de los aplausos y de las caras sonrientes. La mejor de las pruebas para certificar que los que estuvieron allí fueron felices al menos durante aquel concierto.

Los imposibles volvieron a la Sol en una noche fantástica para escuchar su música y bailar con ella. El baile es el resultado primario de las canciones de Los Imposibles. La causa-efecto más placentera que sufre el público cuándo escucha a esta banda. Su último trabajo ,Lost&Fun, es el resultado natural de la evolución de un grupo que no renuncia a la esencia de sus raíces. Los imposibles son auténticos por muchas razones pero lo que realmente justifica esta afirmación son sus discos y su directo.
Era casi el final del concierto cuando El tigre de Chamberi, así se llama el percusionista eventual de la banda, grito: “¿Queréis Guateque?”. Esta es la definición mas acertada de lo que significa un directo de Los imposibles. Y eso exactamente ocurrió en la Sol de Madrid. Las canciones de su Lost&Fun se mezclaron a la perfección con las veteranas de la banda, rescataron los momentos mas soul del hoo-ha para acabar creando una legitima velada de sudor y swin. Además la formacion se entiende como las mejores familias.
El resultado de todo esto es pura diversión y como dijo aquel chico del barrio ¡GUATEQUE!

El sábado 22 de septiembre Madrid se escribirá con mayúsculas. La razón la encontramos en una de las citas más seductoras del año; El festival Pura Vida Hellomoto 07. Evento que se organiza en paralelo con la Noche en Blanco, la otra cita que no debeis perderos el sábado en la Capital. La directora del Pura Vida Hellomoto 07, Mariela Lijtmaer, respondió a las cuestiones que desde New Monday le brindamos. Ella arroja luz sobre el porque y el como de este festival. Música a pie de acera.

1. Esta es la tercera edición del Pura Vida, cada vez parece mas claro que estamos ante un festival asentado. Suele decirse que el tercer disco en un grupo es el de confirmación. No se si tenéis esa misma sensación o estáis en un punto de desarrollo, donde una vez puestos en marcha ahora se trata de ir mejorando e incidir en las puntos fuertes del festival.

Tratamos de mejorar año a año. Por ejemplo esta edición, en conjunto con el Área de Gobierno de Seguridad y Movilidad del Ayuntamiento de Madrid, estamos haciendo especial hincapié en el cuidado del medio ambiente, alentando el uso del transporte público y el uso conciente de los vehículos privados para disminuir el nivel de CO2 en el aire, cambiando el ruido de los motores de los coches por música; y promocionando la utilización de productos biodegradables.
Además, porque queremos recuperar la calle como un espacio lúdico para todos, este año agregamos nuevos servicios: baños públicos con servicios para minusválidos, puntos de información y productos para celíacos, entre otras cosas.

2. Sin dejar a un lado esta ultima idea. ¿Qué filosofía es la que define el Pura Vida?. ¿De donde partís y hasta donde queréis llegar?. En mi opinión el festival lo define y resulta atractivo al menos por dos factores; Primero es completamente gratuito; Segundo, su emplazamiento en pleno corazón de Madrid. Literalmente toma la calle, la música se acerca al público y no al revés como suele suceder en la mayoría de los festivales. No se si compartes esta reflexión.

Creo que lo has explicado perfectamente: estas son los elementos que definen al Festival Pura Vida Hellomoto y lo diferencian del resto de la gran oferta festivalera de nuestro país

3. La ciudad en general y la calle en particular son ingredientes fundamentales en el Pura Vida. En ese aspecto creo que sois pioneros o al menos arriesgáis, no es habitual encontrase con eventos de este calibre en las ciudades españolas y en Madrid, desde el ayuntamiento no siempre se apuesta por iniciativa de este tipo. ¿ Qué es lo mas complejo a la hora de poner en marcha un festival de estas características?. Y supongo que habrá muchas satisfacciones, la recompensa del trabajo bien hecho.

Es complejo por el hecho de montar en la vía pública, en la calle. Hay que tener en cuenta infinidad de factores e implicar diversos organismos y concejalías.
En favor del Ayuntamiento he de decir que nos han apoyado desde el primer momento.
En cuanto a las satisfacciones, obviamente para nosotros se relacionan con el hecho de poder ofrecer una actividad cultural de alta calidad y completamente gratuita en pleno centro de la capital.

4. Yo os veo con cierto carácter europeo en las formas. En ciudades como Londres es muy habitual encontrarse con conciertos de grandes artistas actuando de forma gratuita y en pleno día. ¿ No crees paradójico que España sea una de los países europeos que mas festivales organice y en cambio uno de los que menos festivales gratuitos oferta?.

Creo que afortunadamente eso está cambiando y como ejemplo vale perfectamente la exitosa iniciativa del Área de Gobierno de las Artes del Ayuntamiento de Madrid, la Noche en Blanco, de la que el Festival Pura Vida Hellomoto es parte de la programación oficial por segunda vez.

5. Hay algo que me ha llamado la atención positivamente. Es evidente que el Pura Vida es un festival de tendencias a nivel musical, incluso estético

El ultimo fin de semana de Julio en Alburquerque aconteció la 12 edición del comtempopranea. Cita imprescindible en el calendario de festivales pues es uno de los pocos con una programación cien por cien nacional, con la excepción de plástica el grupo portugués encargado de abrir el maratón de conciertos. Pocos apuntes negativos tienen el Comtempopranea: el espacio, algo reducido, es tal vez el mayor inconveniente de un festival acogedor y familiar. El cartel este año era para quitarse el sombrero y la gente lo sabia al igual que los responsables del acontecimiento. Del Viernes hay que resaltar el poder en directo de la Habitación Roja o el empuje y mainstream de Deluxe-el recinto abundaba de fotocopias del sujeto en cuestión-. Pero los triunfadores a nuestro entender de aquella noche fueron los vigueses residentes en Barcelona Catpeople. Su disco de debut “reel1” es un tesoro que a nadie debería dejar escapar. El empuje y la pasión que en el aparece se acentúa considerablemente en su directo. La noche continuo con Dorian con sus melodías y bases preparadas para el baile. El único puñetazo que nos llevamos fue el no poder disfrutar del concierto de Grupo de Expertos solynieve.
El sábado se produjo una situación previsible y esperada por la organización que plantea la posibilidad de ampliar el espacio físico del festival. 1.500 personas se quedaron en las puertas del espectáculo, saliendo a la venta tan solo 60 entradas. La razón: el efecto Planetas. El grupo granadino tiene un tirón sin precedentes y se nota visiten el lugar que visiten. Además el día escondía otras sorpresas: Triangulo de Amor Bizarro, Sr chinarro, algo flojo, Lory meyers, soberbios de principio a fin y Standars que quisieron ser los punks del festival pero no pasaron de adolescentes que juegan a ser estrellas de rock. En lo musical sobrados y brutales. El puntazo del festival fueron los Planetas. Con ellos el campo visual se expande y los oidos escuchan los ruidos y melodías que esconde el aire y las estrellas.